Analyse comparative entre romantisme et impressionnisme

Les deux tableaux présentés dans le sujet, soit Lever de Lune sur la mer peint par Gaspard David Friedrich en 1821 et Fin d’après midi de Claude Monet en 1872, représentent deux paysages dans lesquels la mer prédomine. Même si ces deux Huiles sur toile traitent d’un sujet commun, elles ne délivrent pas le même message ni les mêmes intentions, dûs à leur courant artistique différent. En effet, l’oeuvre de Friedrich appartient au Romantisme tandis que celle de Monet se réfère à l’Impressionnisme. Nous étudierons les buts recherchés et les évolutions de pensée propres à chaque courant à travers ces représentations du paysage, en comparant tout d’abord le thème d’une nature qui domine mais ne dit pas la même chose, pour ensuite s’attarder sur la place de la lumière et de la touche qui crée des atmosphères variés et une impression différente, propre à chaque courant.

Premièrement, les deux tableaux représentent un paysage au moment du coucher du soleil, dans lequel la mer et le ciel prennent une grande place. On retrouve des éléments similaires tels que les voiliers ou encore une mer extrêmement plate. Cependant, de par la composition notamment, la nature n’a ici pas la même valeur et sa présente dans l’oeuvre n’a pas la même intention de la part de l’artiste.

Dans l’oeuvre de Friedrich, la composition est principalement divisée entre la mer la vaste étendue de ciel. Il existe une succession de petits plans jusqu’au plus subtil, qui nous poussent à la curiosité, à avoir un regard lointain. On observe la présence de personnages anonymes et vus de dos qui font le lien entre le paysage et le spectateur. Les personnages sont au premier plan mais ne sont pas le sujet principal. En effet, ils sont petits, fantomatiques, deux à deux mais finalement seuls et fragiles face à cet immense paysage qui apparait ici comme un rappel constant à l’Homme qu’il n’est rien face au forces de la Nature. Si la Nature le décide, elle semble pouvoir engloutir l’Homme à chaque seconde. La figure humaine était très importante dans la peinture conventionnelle à cet époque. Friedrich la réutilise mais lui offre une place plus que secondaire. Une diagonale se forme entre les personnages et les bateaux pour nous inviter à regarder dans la même direction, nous inciter à la contemplation, à la réflexion. L’artiste nous impose le regard et nous fait entrer dans un état psychologique particulier, un état mélancolique et rêveur. On distingue également la présence de deux encres de bateaux, où seul un petit bout de la coque est resté accroché, comme si la mer et le temps avaient tout emporté. Elles apparaissent ici comme des ruines, éléments importants dans la peinture Romantique. Mais l’encre peut également évoquer ici l’espérance, un élan vers un regard futur, vers l’au delà, qui amènera l’Homme fragile actuel a développer son génie créatif et ainsi retrouver des valeurs. Il y a une grande place laissée à la divinité puissante et l’immensité créative. Il s’agit donc ici d’un paysage extrêmement symbolique qui plonge le spectateur dans un état d’âme romantique, marqué par le spleen, une âme torturée, un voyage intérieur, caractéristique du Romantisme.

Monet quant à lui, représente une nature plus réaliste, plus spontanée. La mer et le ciel sont également très présents, mais l’ajout de la verdure vient perturbée le paysage plat et ajouter de la vie, de la véracité à ce paysage. On ne distingue aucun personnage dans cette composition, seulement un petit village au second plan. On distingue plus facilement les différents plans dû à un rythme plus marqué. A travers sa composition , on ressent d’ors et déjà le travail d’analyse spontanée et véridique de la Nature. En effet, l’apparition de la peinture en tube permet à Monet d’aller peindre directement sur le terrain et non pas dans son atelier. Il ne peint donc pas la nature comme il l’imagine mais bien comme il l’a voit, comme il l’a ressent. Il dit vouloir peindre ce qu’il voit et non ce qu’il plait aux autres de voir. La nature est donc ici vu comme un sujet du quotidien qui permet à l’artiste Impressionniste d’entreprendre des expériences de ressenti et d’impression pour retranscrire ce que voit son oeil de manière spontanée et de faire voir la réalité. Elle a une valeur très importante dans la peinture Impressionniste puisqu’elle correspond à une scène quotidienne qui a une grande richesse et dont la lumière va jouer un grand rôle dessus, mais ne va en aucun cas avoir une valeur symbolique. L’artiste y met donc de l’émotion puisqu’il retranscrit le paysage à sa façon, mais n’introduit pas de sentiments qui va guider l’âme

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