Le maniérisme

La période de la Renaissance qui s’étend du XIVe à la moitié du XVIe se

caractérise par un renouvellement artistique important dans tous les domaines. C’est

en Italie, plus précisément dans les villes de Florence et de Rome, que les activités

foisonnent le plus avec un attrait particulier pour l’art antique. Cette période est

également synonyme de découverte quant aux nouveaux mondes mais aussi

d’innovations techniques comme la perspective dans les œuvres peintes. La volonté

d’affirmation des artistes est forte et ils tendent à développer leur savoir-faire.

Giorgio Vasari, contemporain humaniste de cette époque et historien de l’art,

également disciple de Michel-Ange, qu’il considère dans son ouvrage Les Vies

“comme le plus grand génie artistique de tous les temps”, il vit à l’époque du

renouveau de l’art et en est le premier témoin.

Le terme Maniériste est issu du mot latin maniera qui renvoie au style de

l’artiste, à sa manière de peindre. Cennino Cennini dans Livre pour l’Art, rédigé à la

fin du XIVe, conseille de copier les œuvres des maîtres, tels que Giotto, pour

assimiler leurs manières. Pour Vasari, il s’agit de l’expression personnelle du style,

ou plus justement, du langage formel d’une école. Les artistes maniéristes de la

Renaissance s’inspirent du mode antique, à savoir, la pure imitation de la nature

(mimésis). C’est en ce sens que les contemporains du maniérisme rompent avec

cette dernière.

Il est alors possible de se questionner sur l’héritage de l’art antique dans les

productions maniéristes. De quelle manière se traduit-il et quelles sont les

innovations de ce courant artistique ?

Nous verrons donc dans un premier temps les lègues de l’Antiquité pour

ensuite souligner les nouveautés observables dans les œuvres et enfin mettre en

lumière la philosophie de cette époque.

L’Italie et plus particulièrement la ville de Rome, sont synonyme de renouveau

quant aux productions artistiques durant la Renaissance. Les arts antiques oubliés

pendant le Moyen-Age retrouvent de leur superbe grâce à la famille des Médicis et

aux papes mécènes, comme Jules II. Il est surnommé le “pape soldat” car il mène

des guerres afin de renouer avec les fastes antiques de la ville.

Pour se faire il va remettre l’art de l’Antiquité à l’honneur en étant l’un des

premiers à mettre en place une politique pour préserver et faire fouiller le forum

romain. Il confie alors à Bramante la construction de la Cour du Belvédère, de sorte

à concevoir un écrin pour la protection et l’exposition de sa collection de statues

antiques, comme le Laocoon ou Apollon du belvédère découvert en 1506. En

complémentarité de ces fouilles, le pape va faire appelle aux plus grands artistes du

moment qui sont encore, pour la plupart, à Florence, comme Léonard de Vinci,

Michel-Ange ou encore Raphaël. Il leur confie des projets d’envergures pour

métamorphoser la ville de Rome.

Jules II va notamment confier à Raphaël (1483-1520) le décor de ses

appartements privés en 1506. L’artiste ayant fait son apprentissage dans l’atelier de

son père et héritier du style de Pérugin, va créer trois grandes fresques dans la

bibliothèque de Jules II. Au fond de la pièce se trouve la fresque du Parnasse où est

représenté Apollon et les 9 muses ainsi que les principaux poètes depuis l’Antiquité.

Cette fresque entre alors en correspondance avec la fonction première de la pièce.

La deuxième fresque est La dispute du Saint Sacrement, il s’agit d’une conversation

sacrée qui rassemble autour du Christ, la Vierge, Saint Jean Baptiste, Dieu le père

et la colombe, synonyme de Trinité. Cette fresque est le moyen pour Jules II de

confirmer le Saint Sacrement. Enfin, la troisième fresque, L’école d’Athènes faisant

face à la précédente. C’est une scène profane qui fait référence à L’antiquité

classique avec les statues des dieux Apollon et Minerve. On reconnaît facilement

Aristote ou Platon entourés des grandes figures tutélaires de l’Antiquité. C’est une

fresque en l’honneur des artistes contemporains en plus des grands philosophes.

Dans cette pièce il y à la fois l’Antiquité avec une mythologie classique et des

scènes religieuses. Raphaël est l’un des derniers représentants de toutes les

techniques de la Renaissance, à savoir, la mise en place de la perspective avec de

nombreux détails dans les arrières plan avec aussi l’intégration des personnages

dans l’espace, de sorte que le spectateur est prêt à entrer dans la fresque. De plus,

le travail de l’anatomie conforme aux canons antiques est respecté avec une

musculature saillante et des postures en contrapposto afin d’imiter au mieux la

nature.

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