La Cène - analyse plastique, Léonard de Vinci.

Léonard de Vinci

     La Cène de Léonard de Vinci est une fresque à la détrempe et à l’huile (tempera grassa), de 460 cm sur 880 cm, réalisée de 1494 à 1498 pour le réfectoire du couvent dominicain de Santa Maria delle Grazie à Milan. La salle du réfectoire de Santa Maria delle Grazie mesure environ 35m x 9m. Depuis l’époque de Léonard, le sol a été rehaussé et les fenêtres agrandies.

Analyse de l’œuvre

     Peinture religieuse, puisqu’elle représente le Christ entouré de ses 12 apôtres, partageant le dernier repas à la veille de la crucifixion et de la mort du Christ.

Nous constatons plusieurs lignes qui composent le tableau : Il y trois lignes horizontales ; le bas de la table, le haut de la table et l’alignement des têtes, qui forme la ligne d’horizon. On remarque deux lignes qui partent depuis le haut de tableau en diagonale, à gauche et à droite qui se rejoignent sur le visage du Christ. Il y a aussi deux lignes qui partent depuis le plafond du tableau et qui se rejoignent sur le visage du Christ. Si l’on réfère à ces lignes, on constate alors que le Christ est placée de telle manière à être le point de fuite et ainsi d'attirer l'attention sur lui.

C'est un tableau figuratif de type statique, il est symétrique, les lignes d’horizon sont parallèles, il n’y pas de courbes dans ce tableau mais uniquement des lignes droites. Cependant, on remarque que les apôtres sont asymétriques et donnent de l’animation à cette œuvre.   

Ce tableau est de type centré car la composition est concentrée sur le visage du Christ. Le premier plan est très lumineux comme si le Christ provoquait une lumière mais lorsque nous regardons vers l’arrière plan, celui-ci devient plus sombre. Les apôtres sont répartis symétriquement par rapport au Christ. Ils sont par groupe de trois et forment des ronds alors que le Christ forme un triangle.

Le peintre représente les sentiments qui animent les personnages de cette scène : surprise, interrogation, stupeur, acceptation émanent de cette œuvre grâce à la qualité de la représentation des corps et des mains des personnages de cette œuvre qui ont été mis en valeur par une lumière clair - obscur et un trait net.

Les personnages vont aussi pouvoir être définit grâce à la symbolique des couleurs de leurs vêtements, le Christ en bleu, qui va représenter la paix, la vertu, la bonté, la foi, et en rouge, qui va montrer la force, le courage etc.. Cependant, sur le tableau on remarquera que le fameux Judas, qui trahira le Christ pour le livrer aux païens, est le seul habillé de vert, une couleur, qui en France, va représenter la criminalité.

Les innovations introduites par Léonard de Vinci sont nombreuses et si audacieuses qu’elles expliquent que son œuvre ait été si souvent copiée.  Pourtant, il y a bien des représentations de cette scène, réalisé avant celle de Léonard, avec beaucoup de technique.

     C'est le cas pour la Cène de Vic en Berry qui est remarquable. D’abord parce que la peinture de la fresque est dans un très bon état de conservation mais surtout parce que c’est un modèle. Le Christ et sa haute stature domine l'ensemble. Les apôtres de part et d’autre n’apparaissent que comme des figurants. Les trois personnages clés Jésus, Jean et Judas s’insèrent dans un triangle isocèle dont les cotés sont déterminés par le rebord de la cape du Christ a gauche et d’équilibre et de construction. Les apôtres aux joues teintées de taches rouges portent des vêtements aux plis accentués, assis aux côtés du Christ, ne sont pas immobiles : ils parlent entre eux et bougent, gesticulent.  

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