Rhomer Éric

D’abord professeur de français puis réalisateur, Eric Rohmer ne tolère aucune faute de français, en particulier au cinéma. C’est pourquoi dans Conte d’été, le langage utilisé par les acteurs semblent si peu naturel. Pourtant tout est réfléchi et calculé dans ce film, rien n’est laissé au hasard, hasard qui reste le sujet principal de l’œuvre. Si Eric Rohmer fait tout pour déstabiliser les spectateurs, c’est qu’il a ses raisons : appartenant à la Nouvelle Vague, le réalisateur ainsi que d’autres de ses congénères reprochent au cinéma français d’être un cinéma de papa. En effet, ils s’indignent du fait qu’ils ne montrent pas la réalité au spectateur. Ce dernier est là pour visionner une histoire à laquelle il peut s’apparenter, s’identifier, et à la fin de laquelle les mots « The End » le sortent du court voyage dans lequel il se trouvait.

Les cinéastes de la Nouvelle Vague critiquent ce mensonge que fait le cinéma classique à la population. Il ne faut pas mentir à la société et il faut ainsi interrompre la production de films d’amour lorsque le pays est en guerre. Les réalisateurs de films plus modernes, comme À bout de souffle de Jean-Luc Godard ont pour objectif premier que les spectateurs soient distanciés et qu’ils sachent pertinemment qu’ils regardent un film. C’est pourquoi Rohmer, avec un langage plus littéraire que réel nous tient à distance de Conte d’été : on ne peut, ni ne doit entrer dans l’histoire.

Mais bien que le maître ait voulu instaurer une distance, son histoire s’inscrit dans la réalité, notamment dans celle des lieux. Le film n’est pas tourné en studio mais dans la rue elle-même, non seulement pour une question de budget mais surtout pour capter les visages et émotions des passants à la vue des caméras. En outres, Rohmer ne donne aucune indication de mise en scène quant à la gestuelle des acteurs. Ces derniers dotés de micros-cravates sont filmés tels quels. En dehors du texte qu’ils doivent mémoriser, tout le reste est spontané et nous paraît alors plus que vraisemblable. Mais rentrons dans le détail.

Dans son film, Rohmer adopte un langage expressionniste en jouant par exemple sur le contraste clair/obscur du paysage. L’utilisation du travelling ou du champ contre-champ, accentue la liberté de gestes que laisse le réalisateur à ses jeunes acteurs. Il caractérise symboliquement chacun d’eux par un décor qui reflète sa personnalité. Margot, fille la plus terre à terre, est la plupart du temps représentée au milieu d’un sentier ou d’une forêt. Solène, la plus érotique des trois femmes, dévoilant ses nombreuses conquêtes est caractérisée par l’eau. Enfin Lena, beaucoup plus ambiguë est représentée par un paysage au contraste sec/humide. Gaspard est le fil conducteur du film avec sa musique. Celle-ci relie toutes les scènes entre elles et finalement, après que Gaspard a atteint son bonheur puisqu’il a le choix entre trois femmes, la musique l’emporte, et il s’en va après avoir laissé un long sillage d’écume blanche, symbole du chaos dont il est la cause. Le personnage de Gaspard est très timide et a du mal à se comporter avec les femmes. Les mains souvent paumes contre paumes, les bras sur les hanches ou bien croisés reflètent son état d’angoisse et sa timidité. De la même façon, sur le bateau, lorsque Gaspard fait chanter sa chanson

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