Monet, Mon musée imaginaire

             Lina AKKAD 1S2

Histoire des arts

Mon musée imaginaire      

Département « Monet »

Pour le choix d’une œuvre de Monet qui représente un paysage de campagne j’ai choisi « Les Coquelicots » terminée en 1873 et actuellement exposé au Musée d’Orsay à Paris. J’ai choisi cette œuvre car je trouve qu’elle montre le plaisir de passé du temps loin de la ville et à quel point la vie à la campagne est relaxante.

Pour le choix d’une œuvre de Monet qui représente un portrait peint par Monet j’ai choisi « Camille sur son lit de mort » terminée en 1879 et actuellement exposé au Musée d’Orsay à Paris. J’ai choisi cette ouvre car elle est très touchante car on peut penser que Monet a voulu peindre sa femme dans son lit de mort une dernière fois car c’était un de ses modèles favoris.  

Pour le choix d’une œuvre de Monet qui représente un paysage de marine j’ai choisi « Charing Crosse Bridge » peint en 1903 et actuellement exposé au musée des beaux-arts à Lyon. Ce que j'admire ici c'est encore une fois le mélange des couleurs mais ici c'est très différent des 3 autres tableaux. Ici on voit le pont mais on aperçoit à peine la ville au loin. Ce sont des couleurs douces et pastelles que je trouve très agréable à regarder. Il y a comme un arc en ciel de jaune/orange/bleu.

Pour le choix d’un œuvre de Monet qui représente un paysage de ville j’ai choisi « Terrasse à Saint Adresse » peint en 1867. Il est conservé au Musée Metropolitan de New York. Ce qui est intéressant est que nous voyons ce que Monet voyait de Saint adresse en 1867 alors que nous avons une vision aujourd'hui qui est autre que celle - ci. La palette utilisée par l'artiste ici est très vive, par exemple pour la verdure et les fleurs. Il y a un contraste entre cela et la couleur de la mer et du ciel en troisième. Et je remarque également qu'il y a un contraste avec des bateaux modernes et anciens ce qui est assez surprenant

Le tableau « Les coquelicots » date de 1873 c’est une huile sur toile de dimensions 50x65cm. Monet est âgé de 33ans. A son retour d'Angleterre en 1871, Monet s'installe à Argenteuil et y résidera jusqu'en 1878. Ces années correspondent à une période d'épanouissement. Il présente les Coquelicots au public lors de la première exposition du groupe impressionniste dans les anciens ateliers du photographe Nadar en 1874. La toile est devenue aujourd'hui l'une des plus célèbres. Elle évoque l'atmosphère vibrante d'une promenade à travers champs lors d'une journée d'été. 

Sur cette toile on peut observer un paysage de champs de coquelicots. Au premier plan, deux personnages sont présents : une femme avec une ombrelle, vêtue d'une robe bleue-grise et noire. Elle porte un chapeau plus clair qui contraste avec sa robe sombre. Elle paraît raffinée et appartient certainement à la bourgeoisie. L'enfant porte également un chapeau clair tout comme ses vêtements. Il a un coquelicot à sa main. Les deux personnages sont surement la femme de Claude Monet Camille Doncieux et son enfant Jean Monet né en 1867 qui est donc âgé de 6ans.  Le champ est séparé en deux : la partie gauche est remplie de coquelicots qui donne un ton rouge et coloré à la toile. Elle semble surélevée. La femme, se trouve sur la partie droite du champ, qui est plus terne, plus sombre a la différence de l’enfant qui est plus sur la partie surélevée. Au second plan, deux personnes sont présentes, également une femme et son enfant. La femme est tout habillée de noire et l'enfant de gris. Les couleurs sont plus ternes que les deux premières personnes au premier plan.  A l'arrière plan, de grands arbres sombres sont présents. Au centre de cet arrière plan, il y a une maison qui paraît assez traditionnelle claire qui contraste avec les bois. Le ciel est clair, bleu et avec beaucoup de nuages blancs en mouvement. La toile est constituée de trois plans. Le premier avec le premier groupe de personnes, le deuxième avec le second groupe de personnes et le troisième avec le ciel et les bois. La ligne d'horizon se situe à la moitié de la toile au niveau du deuxième groupe de personnages. Elle sépare la partie "ciel" et la partie "terre" La différence entre la grandeur des arbres marque la profondeur de ce tableau. C’est la que le regard est attiré.

C'est une œuvre peinte à l'huile, impressionnistes. On peut voir que les détails sont pratiquement inexistants, le tracé est flou, les objets sont devinés mais pas clairement représentés. Les traits du visage ne sont pas visibles, les vêtements ne sont pas détaillés. On devine les coquelicots par leur aspect rouge et leur forme. Les arbres nous apparaissent au loin donc plus flous et on ne distingue aucun élément. Quant à la maison, on l'imagine très simple, traditionnelle, on perçoit simplement les différences de couleurs qui marquent le toit et les fenêtres.

On peut distinguer trois zones composées chacune de couleurs différentes : Tout d'abord le ciel qui est constitué de différentes nuances de gris et de bleus c'est à dire des couleurs froides. La partie droite du champ est composée de ces mêmes couleurs ainsi que de l'orangé clair. A gauche du tableau, la couleur principale est le rouge donc une couleur chaude puis du vert assez clair. La ligne d'horizon, elle, contient une couleur froide : le vert foncé qui représente les arbres.  Ceci nous permet alors de distinguer la symétrie de deux couleurs primaires, l'une froide et l'autre chaude : le bleu et le rouge. Toutes ces couleurs restent lumineuses. La lumière semble venir de la partie gauche de l’œuvre. Elle éclaire les personnages et on comprend que l'attention prioritaire est portée vers le premier groupe de personnes.

L’artiste a voulu peindre les loisirs liés à la nature au XIXème siècle en opposition à l’industrialisation de la ville et aux plaisirs liés à celle-ci. Pour cela, Monet s’appuie sur des couleurs vives qui mettent en évidence la joie dans la campagne.  Une impression de bonheur et d'harmonie est ainsi créée ...

Monet peint un paysage rempli de sérénité, aux couleurs douces et harmonieuses, les images un peu floues des personnages font songer à un rêve. Ce tableau a été peint à Argenteuil, village du Val d'Oise où Monet avait acquis une propriété avant de s'installer à Giverny.

De même, dans ce tableau intitulé : Champ de coquelicots près d'Argenteuil, Monet donne vie au paysage : il nous montre la beauté de la nature associée à un moment de bonheur : une simple promenade dans les champs.

On peut imaginez que cette scène se passe en milieu d’après-midi un Dimanche d’été vers 15h,16h. Monet sa femme et son fils partent en balade pour changer d’air et profiter d’une après-midi en famille, la famille est heureuse.

Nous placerons cette toile dans un endroit pas très éclairée par la lumière naturelle car ce tableau est déjà pas mal lumineux. Nous le disposerons sur un mur seul car c’est un tableau assez connu qui mérite sa place et qu’on le remarque. Nous choisirons un mur soit de couleur rouge pour faire ressortir la couleur rouge des coquelicots ou un fond noir pour qu’on voit bien le tableau et que les couleurs

Le tableau « Camille Monet sur son lit de mort » date de 1879 c’est une huile sur toile de dimension 90x68cm. Il s’agit d’un portrait de sa femme Camille Doncieux.

Ce tableau représente Camille Doncieux décède d’un cancer à l’âge de 32 ans en 1879. Modèle, compagne puis épouse de Monet, sa mort désespère le peintre qui se retrouve veuf avec deux enfants, Jean âgé de 12 ans et Michel d’à peine 18 mois. À cette époque, une épouse décédée avant l’âge est ensevelie avec son voile de mariée. Face au cadavre de sa femme, Monet, presque malgré lui, prend les pinceaux pour traduire ses sensations visuelles et les transparences du tissu. L’œuvre qui n’a jamais quitté le peintre n’est pas signée. Le nom en bas est le cachet apposé par Michel Monet sur les toiles après la mort de son père pour les authentifier. Le lendemain, raconta-t-il à Clémenceau, il se reproche d’avoir agi en artiste se laissant séduire par le jeu de la lumière et des couleurs, d’avoir traité ce cadavre cher en objet neutre. De mon point de vue l’expressivité du tableau, sa force, le tourbillon des traits de couleur autour du visage traduisent le sentiment de tristesse désespérée qui s’empara de lui.

L’atmosphère qui se dégage de cette toile est assez touchant, on se demande comment Monet a eu la force de réussir a peindre son épouse morte sur son lit, et on a de la peine pour lui et pour Camille qui est décédé aussi jeune d’une maladie horrible.

Cette peinture est composé seulement de couleurs froides ; du bleu foncé, gris ,noir ..pour montrer la mort et la tristesse. La seule couleur qui donne de la lumière a ce tableau c’est le blanc qui nous indique le drap et le voile que Camille porte autour de sa tête. On peut voir que les détails sont pratiquement inexistants et le tracé est flou.

On peut voir que le tableau est inachevé, on peut apercevoir encore la toile en dessus de la peinture ce qui caractérises certaines œuvres de Monet qui ont un effet inachevé. Le tableau n’est pas net comme tous les tableaux de Monet et des impressionnistes mais on arrive quand même a distinguée le visage de Camille, elle a les yeux fermés, on voit plutôt bien ses traits de visage, a la différence du lit, des draps et du voile qu’on a du mal a distingués. Les traits émaciés de la femme qu’il aimait envahissaient la toile. C’était le plus beau portrait qu’il ait fait d’elle d’après lui.

Monet a voulu rendre hommage à sa femme, il l’a peint une dernière fois, elle sera un modèle jusqu’à sa mort.

On peut imaginer que cette scène se passe un terrible jour de septembre, jour de pluie, un temps nuageux d’où le manque de luminosité dans ce tableau pour montrer le chagrin. Monet est au pied du lit de sa compagne, il pleure beaucoup et est dévasté. Il se dit qu’il doit rendre hommage une dernière fois à sa femme qui avait comme métier d’être modèle pour son mari et a également posé pour Pierre-Auguste Renoir ou Édouard Manet.

Nous présenterons ce tableau sur un mur noir dans un endroits peu éclairé pour montrer l’ambiance de ce jour horrible.

Charing Crosse Bridge fait partie d'une série de 6 tableaux représentant le brouillard de Londres peint en 1899 et 1904. Celui-ci est un tableau représentant Hingerford Bridge et a été peint en 1903. C'est un pont londonien de chemin de fer en acier traversant la Tamise. Il se situe entre le Waterloo Bridge et le Westminster Bridge. Monet peint beaucoup le brouillard londonien (37 tableaux) car les choses difficiles l’intéressent et ce motif est quelque chose de difficile à peindre. Le brouillard brouille les lignes du tableau et permet à l'artiste de le peindre de 37 façons différentes.  

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