La Nouvelle Vague En Espagnol

INTRODUCCION

El cine es un arte joven si lo comparamos con la pintura o la literatura. Apenas rebasa un siglo de edad, sin embargo, como en otros artes, en su historia se pueden hilvanar toda una sucesión de escuelas, corrientes y movimientos. Estas corrientes generalmente suponen una ruptura con los estilos anteriores, y con la narrativa del cine convencional y predominante del momento en que surgen.

La Nouvelle Vague es una de las corrientes o vanguardias cinematográficas más importantes que surgieron en el siglo XX. Su nacimiento y desarrollo principal puede situarse en la Francia de fines de la década del 50 y principios de la del 60, pero sus efectos se extendieron mucho más allá de esa geografía y esa época.

Esta nueva ola modificó las normas narrativas y temáticas del mundo del cine y abordó críticamente la totalidad de la historia del mismo, dándole valor a la importancia de la teoría de autor y generando un manifiesto ideológico en el modo de hacer cine.

ANTECEDENTES

El cine tiene su fecha de nacimiento en aquellas ya míticas proyecciones que realizaron los hermanos Lumiere en la Paris de 1895. Pero como nuevo medio, le llevó un buen tiempo terminar de encontrar su propio objeto, su propio lenguaje, su propia voz como arte y espectáculo. Fueron varios años en los que el primigenio cine se debatió en experimentaciones que lo llevaban desde una mera tecnología para el registro documental hasta una curiosidad espectacular de feria, subordinado generalmente a otras artes como el teatro o la literatura.

Puede decirse que el filme "El Nacimiento de una Nación" del estadounidense David Griffith, en 1915, marcó un hito, ya que terminó de sistematizar y consolidar los diversos descubrimientos y técnicas de la época en un lenguaje cinematográfico sólido y unificado. Un lenguaje pronto compartido por los espectadores, que ya se habían habituado al joven medio y se acercaban a ver cine con las nociones suficientes como para comprender las convenciones que dicho lenguaje suponía.

Se establecieron entonces reglas claras a la hora de filmar y montar las películas, que comenzaron a utilizarse como una fórmula, como un canon, a partir de ese momento. El cine industrial y masivo siguió ese canon para sus producciones durante décadas. Y a tal punto se convirtió el cine en una industria (especialmente en Hollywood) que al director se lo consideraba un empleado más dentro de los enormes equipos que realizaban los filmes para las grandes estudios.

FRANCIA, FINES DE LOS 50's

Ese modo de producción tan aceitado, ese lenguaje cinematográfico sistematizado, fueron con el tiempo convirtiéndose en un esquema rígido, en una fórmula narrativa aceptada que pocos cuestionaban, y que ya no daba espacio a la creatividad, búsqueda y reflexión que un arte necesita. Si nos situamos en Francia, se sumaba además otro factor, y es que el cine francés continuó, tras la segunda guerra mundial, con un tono demasiado intelectual, un realismo poético dominado por la literatura. Y ante ese sistema anquilosado fue que un incipiente movimiento de jóvenes cineastas franceses comenzó a enfrentarse al cine imperante.

“Cahiers Du Cinéma”: la semilla de la Nouvelle Vague

Actualmente puede sostenerse que sin Cahiers Du Cinema, la Nueva Ola francesa no hubiese existido. La hoy legendaria revista sirvió de aglutinante de la Nouvelle Vague, de medio de expresión y de guía fiable. Fundada en 1951 por André Bazin, para 1953, con la incorporación de Francois Truffaut, Cahiers reunía en sus filas a los que serían los directores más relevantes del nuevo cine francés: Jean Luc Godard, Eric Rohmer, Rivette, Claude Chabrol y otros.

Siempre guiados por Bazin (hasta su muerte, en 1959) estos jóvenes cineastas escribieron largas críticas de sus películas favoritas y analizaron críticamente el cine de posguerra, proponiendo una nueva manera de concebir el arte cinematográfico: las películas debían contar la realidad, lo demás era accesorio. Truffaut por ejemplo atacaba a las producciones que sólo se ocupaban de la "qualité" y las buenas adaptaciones literarias, y se olvidaban de aportar su punto de vista personal a la obra. Y defendía la necesidad de rodar en escenarios exteriores, así como la espontaneidad en las actuaciones y, sobre todo, la implicación del director en todos los márgenes de la autoría del filme. El mundo establecido del viejo cine francés veía a Cahiers Du Cinema como la voz de los revolucionarios del cine. Y no estaban equivocados.

Estos cineastas eran en general jóvenes estudiosos y enamorados del cine, verdaderos cinéfilos, a base de haber absorbido innumerables películas en la Cinemateca del Barrio Latino de París. Conocían perfectamente la historia del cine, su evolución, técnicas y reglas. Así que fue desde este conocimiento que comenzaron a proclamar la necesidad de romper las reglas y convenciones del canon industrial y del tono intelectual, buscando generar nuevos sentidos, mensajes y efectos, una nueva narrativa que dotara a sus películas de una búsqueda artística y personal.

A partir de esta idea, rescataron la figura del director como "autor" de la obra. Es él quien toma las decisiones fundamentales en la realización de una película, y genera un estilo, una narrativa personal que se expresará a lo largo de su filmografía. Citando a Alexandre Astruc, proclamaban: "Si el escritor escribe con una pluma o un bolígrafo, el director escribe con la cámara".

La importancia de la idea del director como autor fue el motivo por el que, pese a su rechazo al sistema industrial de Hollywood, rescataron la figura de varios directores norteamericanos que desarrollaban allí su obra, como Alfred Hitchcock, Howard Hawks y John Ford. Veían que ellos, pese a hacer un cine comercial que hasta allí los intelectuales subestimaban, lograban imprimirle a sus películas un estilo autoral propio. Mantenían un estilo, una voz, aún dentro de la maquinaria industrial de Hollywood y a pesar de las presiones e influencias del sistema de estudios.. Incluso, a través de Cahiers du Cinema, los jovenes franceses entrevistaron

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